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A tu memoria
Charenton
Conjugado
El camino de los pasos peligrosos
Jazz
La estupidez
La puta respetuosa
La secreta obscenidad de cada día
La virgencita de bronce
Marx en el soho
Medea llama por cobrar
Musas
Onetti en el espejo
Regina en el diván
Stockman, el enemigo del pueblo
Venezia
 

 
 
  A TU MEMORIA
Texto y actuación: Aníbal Grunn
Luces: Kelinson Berrios
Producción: Julián Ramos
Dirección: Carlos Arroyo

A tu memoria es un espectáculo unipersonal con múltiples lecturas. Muestra a un hombrecito que, luego del funeral de un amigo, evoca al ausente: un director o un gran actor a cuyo lado soñó, disfrutó y amó como nunca. Según Aníbal Grunn, en A tu memoria hace un homenaje al teatro y en especial a esos seres mínimos o grises que han sido los segundones, porque sin ellos no hubiese subido el telón y la representación no se hubiese desarrollado. Y en opinión de la crítico Vivian Martínez Tabares A tu memoria es un
“homenaje al amigo y al artista que fue Carlos Giménez, con citas memorables de puestas suyas con Rajatabla, pero la entrega a fondo del actor, y su inteligencia para fabular situaciones que completen la historia, a partir de la propia experiencia de vida y de ingeniosos ardides, trasciende el propósito y se erige en sentido homenaje al teatro todo.”

Aníbal Grunn (Argentina, 1947) es, además de un reconocido actor, director, dramaturgo y maestro de actores, con cuarenta años de profesión. Perteneció durante casi una década a la Fundación Rajatabla y fue creador del Centro de directores para el Nuevo Teatro y de varias agrupaciones teatrales. Como dramaturgo tiene más de treinta obras escritas, habiéndose estrenado muchas de ellas. Egresado de la Escuela Municipal de Teatro (Argentina 1969), se ha desempeñado como profesor de actuación tanto en Argentina como en Venezuela; también ha impartido cursos, talleres y seminarios en EE.UU, México, Venezuela y Australia. Durante más de quince años fue miembro del Comité organizador del Festival Internacional de Teatro de Caracas. Ha participado en varios festivales internacionales de teatro y cuenta con muchos e importantes premios.
 
  CHARENTON
Dramaturgia: Raquel Carrió
Diálogos: Raquel Carrió, Flora Lauten
Actores: Leandro Sen, Alejandro Alfonzo, Ivanessa Cabrera, Sandra Lorenzo, Miguel Abreu, Carlos Cruz, Dania Aguerreberrez, Sandor Menéndez, Juana García, Ana Domínguez.
Diseño de vestuario y luces: Carlos Repilado
Dirección: Flora Lauten

Ópera bufa en 10 cuadros y un epílogo. Diez actores ponen en escena una parodia de la obra Marat Sade,
del escritor alemán Peter Weiss, sobre el plan fraguado por el marqués de Sade, el más célebre de los pacientes del asilo de Charenton, para asesinar al revolucionario Marat. Pero cuando Sade está a punto de cumplir su cometido, el actor se independiza de la obra y es él quien dice la última palabra. Charenton acaba de presentarse en el X Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, que se realizó del 31 de marzo al 16 de abril.

“A partir de que Peter Weiss (1916-1982) diera a conocer en 1964 Persecución y asesinato de Jean Paul Marat, representado por el grupo teatral del hospicio de Charenton bajo la dirección del Marqués de Sade, el título se ha convertido en uno de los paradigmas de la flexibilidad escénica que arranca con las vanguardias históricas y se ha asociado a búsquedas en las que predominan el contraste, la agudeza y la desacralización. En la remozada sede de Loma y 39, Lauten y Carrió retoman las claves de Weiss y, sin forzar circunstancias o abusar de intertextos coyunturalmente oportunos, logran dialogar con el espectador cubano sobre temas tan decisivos como el concepto de libertad personal, la utopía, el lugar del arte, la relatividad de los procesos históricos o la diversidad de las pasiones humanas.” (Amado del Pino en Granma, julio del 2005).

Raquel Carrió dice: “En el verano del 85, Teatro Buendía abrió sus puertas con una versión, realizada por jóvenes recién egresados del Instituto Superior de Arte de La Habana, de Lila la mariposa, la obra de Rolando Ferrer. Veinte años después, queremos celebrar, rendir homenaje a los maestros de la escena que nos precedieron, jugar de nuevo con nuestros referentes y lecturas, citar y reciclar las máscaras y los espejismos, pero hacerlo una vez más desde la rebeldía y la paradoja, las huellas y contradicciones de nuestro tiempo inscritas orgánicamente en la memoria del cuerpo y el alma que se arriesgan. Es este riesgo, del cuerpo y la memoria, lo que nos interesa: el acto vivo de representación de una historia transcurrida.”

Teatro Buendía se funda en La Habana en 1985 con actores graduados del Instituto Superior de Arte bajo la dirección de la actriz, profesora y directora artística Flora Lauten. Desde su fundación ha desarrollado paralelamente dos líneas de trabajo: la producción de espectáculos y la creación de un centro permanente de investigaciones sobre las tradiciones culturales en América Latina y El Caribe, los medios expresivos del actor y la renovación de los lenguajes escénicos. El estudio de las relaciones entre la música, la danza y la interpretación, así como la formulación de nuevas formas de escritura escénica y dramatúrgica del espectáculo han consolidado el prestigio internacional de esta compañía. Buendía ha presentado su repertorio en los más exigentes festivales y escenarios de América Latina, Europa, Norteamérica, Asia, África y Australia, e impartiendo además talleres, seminarios y conferencias sobre sus resultados de investigación y métodos de creación. La calidad de sus actores y sus puestas en escena han recibido el mayor reconocimiento del público y la crítica especializada en festivales, giras y temporadas internacionales.
 
  CONJUGADO
Dirección y dramaturgia: Christiane Jatahy
Actriz: Malú Galli
Escenografia: Marcelo Lipiani
Luces: Afonso Tostes

Conjugado es el doloroso retrato de una soledad no admitida. Habla de la situación límite de aislamiento y soledad que se puede alcanzar en los grandes centros urbanos. Actriz y espectadores participan en un juego que provoca al personaje. Al principio el público no es más que un voyeur pero luego las persianas de la casa se van descorriendo lentamente y se desencadena una situación que afectará, profundamente, a esta mujer.

En la concepción de Conjugado fueron entrevistadas varias
mujeres de distintas generaciones y estratos sociales, cuyas declaraciones componen una video instalación integrada en el espectáculo. Las realizadoras de esta obra conjugan pues el teatro documental, el performance y el video instalación para lograr un resultado impactante. Conjugado es una manera distinta de pensar la relación del espectador con la escena, la relación de la actriz con el personaje. Esta obra recibió el Premio Shell 2004 por mejor actriz y mejor escenografía, y el Premio Qualidade Brasil por mejor actriz y mejor espectáculo. El periódico O Globo la seleccionó el mejor espectáculo del 2004.

Compañía Vértice de Teatro ha realizado ya varios montajes y obtenido importantes reconocimientos dentro de su país, a pesar de su corta existencia. Dentro de sus puestas están: Caricias, de Sergi Belbel (2001), Memorial del convento, de José Saramago con dramaturgia de José Sanchis Sinisterra (2003), La falta que nos mueve o Todas las historias son ficción (2005), de Christiane Jatahy y Lector por horas, de José Sanchis Sinisterra (2006). La compañía describe así su estética: “Somos rectas que convergen. Relaciones. Somos pares. Fronteras. Singularidades diluidas. Carne. Fiebre. Palabra y silencio. Somos incógnitos. Somos anónimos. Partidos. Incompletos. Continuos. Afirmativos. Sin medida. Perceptivos. Sentimos la falta y ella nos mueve.”
 
  EL CAMINO DE LOS PASOS PELIGROSOS
Texto: Michel Marc Bouchard
Actores: Eric Morales Manero, Julio César Amador, Ernesto Díaz Alejo
Versión y dirección: Carlos Pérez Peña
Luces: Pedro Delgado Ayra
Sonido: Armando Peña Mayo

Unas horas antes de la boda del más joven, tres hermanos se vuelven a encontrar después de años de lejanía e
incomprensiones. Víctimas de un accidente de carretera en un peligroso camino de un bosque de Québec, cuando se dirigían al lugar de pesca de su padre, esperan auxilio a la orilla del camino de los pasos peligrosos. Ahí, Carlos, Ambrosio y Víctor dejan brotar sus recuerdos de infancia y sus mentiras de adultos, hasta llegar a un secreto que los acosa. Una ceremonia de los adioses, brutal y definitiva, que ocurre mientras ronda alrededor de ellos el fantasma de su padre, muerto en el mismo lugar trece años antes. El reconocido dramaturgo canadiense Michel Marc Bouchard logra con El camino de los pasos peligrosos su obra más profunda y emotiva, con un humor corrosivo y desgarrador.

Esta puesta entronca con el quehacer de Teatro Escambrary no sólo por su temática sino sobre todo por una poética teatral signada por la austeridad escénica propia de su director Carlos Pérez Peña, que ha marcado desde los 90 una buena parte del discurso escénico de este grupo.

Fundado en 1968 por Sergio Corrieri, Premio Nacional de Teatro, el Teatro Escambray desarrolló por casi dos décadas un arte estrechamente vinculado al universo cultural campesino de la región montañosa de la que tomó su nombre. Teatro de estructuras dramáticas abiertas, que abordaba temas acuciantes de la realidad rural cubana, con textos propios surgidos de la propia experiencia artística, que facilitaba una fuerte relación entre el hecho escénico y su público, se fue acercando cada vez más a finales de los 80 y sobre todo desde los 90 a zonas más generales de la realidad cubana, en la medida en que esta sufría cambios en todos los órdenes. La nación, a través de la célula básica familiar, ha sido recurrente en el teatro cubano. Teatro Escambray también ha asumido esta tradición u obsesión.
 

  JAZZ
Texto: Georges Mauvois
Actúan: Wilfredo Candebat, Sonia Boggiano, Yadira Herrera, Leidís Díaz, Meilyn Cabrera y Nelson González
Cuerpo de baile de Santiago Alfonso
Diseño de escenografía y vestuario: Israel Rodríguez
Luces: Arnaldo Díaz
Coreografía: Santiago Alfonso
Dirección: Eugenio Hernández Espinosa

Presa del fenómeno migratorio como único escape al desamparo social, la mujer antillana sufre un estigma que se nos presenta cual preocupación evidente por la Martinica de hoy. Melania y Alberto, dos víctimas de la soledad interior –común en la tercera edad- confrontan su pasado y presente en el patio de una vieja casa, ubicada en un barrio popular de Fort de France. Temas recurrentes en nuestra área geográfica: la subalternidad, la diáspora, los conflictos raciales, el desencuentro y los prejuicios generacionales alcanzan aquí el carácter iconoclasta que gravita sobre gran parte de la sociedad contemporánea.

Es el jazz protagonista máximo de esta historia que desemboca en trágico desenlace, cuya dramaturgia subraya un sentido homenaje a Nueva Orleáns y a ese género “salido del fondo del pueblo negro”. Son sus principales cultores (Louis Armstrong, Duke Ellington, Billy Holliday y Count Basie, entre otros no menos importantes) quienes también se hacen sentir, con su música, a lo largo de la trama.

Georges Mauvois, el autor de la obra, expresó hace tan solo unos días en Cuba: “Mi proyecto es restituir la vida del pueblo. Supongo que cuando se penetra profundamente en la vida del pueblo martiniqueño, también se penetra profundamente en la vida del pueblo cubano. Por eso, tengo confianza en el hecho de que, montando esta pieza en Cuba, encontraré lo que quise hacer en Martinica.”

La Compañía Teatro Caribeño de Cuba fue fundada por el dramaturgo y director teatral Eugenio Hernández Espinosa el 28 de mayo de 1990. Se ha caracterizado en sus montajes por la búsqueda constante de un teatro inspirado en la vida popular y en las tradiciones de la cultura sincrética cubana, especialmente la de origen yorubá, que se manifiesta en ese complejo mágico religioso que es la santería cubana, síntesis del culto a los orishas con el catolicismo popular.
 
  LA ESTUPIDEZ
Texto y dirección: Rafael Spregelburd
Actores: Héctor Díaz, Andrea Garrote, Mónica Raiola, Rafael Spregelburd y Alberto Suárez.
Escenografía: Oscar Carballo
Música original: Nicolás Varchausky

La estupidez es una suerte de road movie teatral ambientada en Las Vegas, Estados Unidos, en la que cinco actores cuentan cinco historias que se entrelazan y hacen un total de veinticuatro
personajes. Fruto de un arduo proceso de investigación que duró tres años, La estupidez forma parte de la Heptalogía de Hieronymus Bosch, que comprende un grupo de siete obras sobre los pecados capitales; esta corresponde a la avaricia.

Es este un espectáculo con un fuerte sentido del humor, que propone novedades escénicas y dramatúrgicas. La estupidez recibió el Premio Tirso de Molina, que entrega la Asociación Española de Cooperación Iberoamericana (AECI), como Mejor texto dramático iberoamericano del 2003. Igualmente fueron reconocidos como Mejores actriz y actor Andrea Garrote y Héctor Díaz. Spregelburd recibió premio como mejor dramaturgo y director. La estupidez se ha presentado en escenarios de México, Reino Unido, Alemania, Austria, España, Colombia y Brasil, y acaba de participar en el X Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, que se celebró del 31 de marzo al 16 de abril.

El Patrón Vázquez se conforma como compañía en 1994. La inusitada inscripción del grupo en el ámbito porteño radica en que sus miembros fundadores: Rafael Spregelburd y Andrea Garrote, son a la vez dramaturgos, directores e intérpretes. Parten del importantísimo núcleo de creación y enseñanza escénica que es el Sportivo Teatral, pero su asombrosa capacidad ha hecho que se proyecten por sí mismos, tanto colectiva como individualmente. Su preocupación teatral se centra en reflexionar sobre los aspectos lingüísticos y dramáticos del texto escénico, para alejarse de los preconceptos imperantes de las narraciones lineales. Su presencia en Latinoamérica, España y Portugal ha sido constante. El espectador que asiste a los trabajos de El Patrón Vázquez tiene la sensación de estar frente a un material maleable, siempre novedoso, donde los códigos del relato están llenos de rupturas, guiños y cambios en los puntos de vista, lo que demanda una atención especialmente activa y co-creadora por parte del público.
 
  LA PUTA RESPETUOSA
Texto: Jean Paul Sartre
Actúan: Yailene Sierra, Ysmercy Salomón, Alexis Díaz de Villegas, Félix González, Sándor Menéndez, Sergio Buitrago, Osvaldo Doimeadiós, Walfrido Serrano, Senén Morales, Henry Duna, Sergio Fernández, Félix González, Abraham Pelegrín, Alen Yero, Raúl Duany
Henry Duna, Ricardo Aranda, Arnaldo Sánchez
Luces: Manolo Garriga
Dirección: Carlos Díaz
En la habitación de una casa sureña, Lizzie, una joven prostituta, tendrá que decidir entre dos vidas. Acorralada entre fuerzas que la superan, manipulada por un mundo de hombres que es también un mundo de política, estafa, bajos instintos y deseo puro, no sabrá si se mueve en esa pequeña habitación que recién ha alquilado, o en una jaula de circo donde solo ella es el animal. Racismo, misoginia, machismo, ambiguedad y violencia, se mezclan en esta relectura que Teatro El Público alza sobre el original de Jean Paul Sartre para confirmar que su centenario no es solo el pretexto de una celebración formal.

Según Miguel Gerardo Valdés Pérez, “Con La puta respetuosa no solo se rescata para el público cubano lo sustancial de un clásico universal representado en otros espacios nacionales y en otros momentos; también, se patentiza la habilidad del director para socializar con tonos transgresores e irreverentes su visión acerca de las múltiples tesis que subyacen en un texto y en la creación teatral.”

Teatro El Público fue fundado en 1989 por Carlos Díaz, con una trilogía de teatro norteamericano: Zoológico de cristal y Un tranvía llamado deseo, de Tennessee Williams, y Té y simpatía, de Robert Anderson. Polémico y transgresor, este colectivo ha transitado por un amplio repertorio que incluye clásicos europeos y norteamericanos, de diversas épocas, y también autores cubanos que reflexionan sobre la cultura, la sociedad y la existencia humanas. Son más de veinte las piezas montadas en los escenarios cubanos y foráneos por El Público. Entre ellas sobresalen, por la calidad y provocación de sus realizaciones, obras como El público, de Federico García Lorca; Calígula, de Albert Camus; Las brujas de Salem, de Arthur Miller; Escuadra hacia la muerte, de Alfonso Sastre; La gaviota, de Antón Chejov; La Celestina, de Fernando de Rojas y El Rey Lear, de Shakespeare, así como La niñita querida, de Virgilio Piñera, y Perla marina, de Abilio Estévez.
 
  LA SECRETA OBSCENIDAD DE CADA DÍA
Dramaturgia y dirección: Marco Antonio De La Parra
Actores: Marco Antonio de la Parra, León Cohen

Es un clásico de la dramaturgia chilena contemporánea. Con humor y sarcasmo el dramaturgo reúne a dos curiosos personajes, quienes desde su aparición en escena llamarán la atención del espectador. Una vorágine verborreica que no da respiro va perfilando a ambos sujetos ataviados con impermeables y canillas al aire, para hacer una revisión de nuestra sociedad de los últimos tiempos. Dos grandes pensadores, Marx y Freud, se revelan en una suerte de transformismo a través de la palabra certera, con sus aspectos patéticos, mientras
dialogan sentados en una banca cercana a un colegio de niñas y se aprestan a su voyeurismo ideológico y físico.

Estrenada a principios de 1984 en Chile, La secreta obscenidad de cada día tuvo un gran éxito de crítica especializada y de público desde entonces hasta ahora. La obra, además, comenzó a ser montada en diversos países latinoamericanos, luego en EE.UU y en Europa (España, Francia, Alemania) y últimamente en Turquía e incluso en la India, todo por elencos regionales y en los idiomas nativos. Según organismos teatrales internacionales La secreta obscenidad de cada día es la obra teatral latinoamericana más montada en los últimos veinte años en todo el continente.

Marco Antonio de la Parra (Santiago de Chile, 1952).
Dramaturgo, novelista, ensayista, actor, director y siquiatra. Entre sus obras dramáticas destacan La secreta obscenidad de cada día, Monogamia, El ángel de la culpa, Pequeña historia de Chile, Australia, entre otras. Ha publicado novelas como Cuerpos prohibidos y El Cristo entrando en Bruselas. Ha ganado varios premios, como la beca Guggenheim, el Max 2003 de España, el del Consejo Nacional del Libro de Chile y el Saulo Benavente de Argentina 2004. Es titular de diferentes grupos de dramaturgia en universidades y particulares. Ha impartido talleres en varios países del mundo y es miembro de número de la Academia de Bellas Artes del Instituto de Chile. Ha incursionado en la televisión y el cine como guionista.

León Cohen (Santiago de Chile, 1951).
Es siquiatra, sicoanalista y actor. Egresado también de la Pontificia Universidad Católica de Chile como Licenciado en Filosofía, es actor desde hace más de veinticinco años. Su actividad teatral se inició a principios de los setenta cuando aún estudiaba en la Escuela de Medicina de la Universidad de Chile. Ha actuado tanto en el país como en el extranjero, en compañías aficionadas y profesionales. Desde hace unos siete años es profesor de la Escuela de Teatro de la Pontificia Universidad Católica de Chile y profesor del Magister de la Escuela de Psicología de la Universidad Andrés Bello. Es autor de publicaciones especializadas en psiquiatría, psicología y psicoanálisis, así como colaborador en medios de comunicación, tanto en columnas sobre su especialidad, como con artículos en suplementos culturales.
 
  LA VIRGENCITA DE BRONCE
Texto: Norge Espinosa
Actores: Fara Madrigal, Freddy Maragotto, Migdalia Seguí y Rubén Darío Salazar
Escenografía, vestuario, muñecos y luces: Zenén Calero
Banda sonora: Fragmentos de la zarzuela Cecilia Valdés, de Gonzalo Roig
Música original: Hilda Elvira Santiago, con letra de Norge Espinosa
Dirección general: Rubén Darío Salazar

La virgencita de bronce
es una obra de títeres para adultos o, más exactamente, una comedia lírica para retablo basada en la mítica narración de Cirilo Villaverde Cecilia Valdés o La loma del Ángel. Escrita por Norge Espinosa en 2001, especialmente para Teatro de Las Estaciones, La virgencita… fue reconocida el pasado año con el Premio Villanueva por considerarse una de las mejores puestas en escena de la temporada. Según Abelardo Estorino en este texto "choteo, humor y parodia se dan la mano". Por su parte el crítico Amado del Pino escribió en el periódico Granma que "Con La Virgencita de Bronce, Teatro de Las Estaciones nos trae de regreso a la excelencia en el reino de los títeres para adultos". Y no falta quien afirme que el espectáculo es la mejor producción de este grupo en sus 11 años de existencia.

Teatro de Las Estaciones, fundado en 1994 en la ciudad de Matanzas, se dedica a promocionar el arte de los títeres y su universo maravilloso, apropiándose de las más viejas tradiciones hasta las técnicas de animación más experimentales. Trabaja con los textos de la dramaturgia nacional e internacional dedicada a los títeres más representativa: Federico García Lorca, Javier Villafañe, Modesto Centeno y Dora Alonso, entre otros. Fusionan la teoría y la investigación con la práctica escénica y la realización de conferencias, documentales, libros y exposiciones. Teatro de Las Estaciones ha obtenido el Premio Villanueva de la Crítica Teatral, el Caricato de la UNEAC, el Rubén Vigón de diseño escénico, el Avellaneda del Festival de Camagüey, y otros lauros en los festivales de Guanabacoa, Pequeño Formato de Santa Clara, entre otros. Se ha presentado en festivales internacionales de títeres de España, Italia, Estados Unidos, Venezuela, México y Francia.
 
  MARX EN EL SOHO
Texto: Howard Zinn / Versión: Bárbara Rivero y Michaelis Cué
Unipersonal y dirección artística: Michaelis Cué
Vestuario: Miriam Dueñas
Luces: Saskia Cruz
Música original: Bobby Carcassés

Marx obtiene un permiso para volver a la Tierra, al mundo de los vivos y, por un error burocrático, aparece en el Soho de Nueva York (en lugar del de Londres). Es este un polémico texto con la figura de Karl Marx como centro, intelectual que si trascendió universalmente por sus ideas extremas, revolucionarias y científicas, no dejó de ser un
simple hombre que Howard Zinn con mucha inteligencia, humor y precisión, rescata y propone volver a evaluar. En este monólogo gracioso y chispeante se revela que el pensamiento de Marx está vivo y disponible para una revolución futura.

La puesta cubana de Marx en el Soho, que contó en su estreno con la presencia del dramaturgo, ha sido vista en Costa Rica, México y Perú. Obtuvo el Premio Villanueva de la Crítica 2004, otorgado por la Sección de Crítica y Teatrología de la UNEAC a los mejores espectáculos estrenados durante el año.

Michaelis Cué Pérez (Granma,1945).
Actor de teatro, cine y televisión. Graduado de actuación por la Escuela Nacional de Arte en 1967. Es además licenciado en Filología y cursó un postgrado de dirección de teatro en la URSS, en 1986. Ha sido miembro de los grupos Joven Teatro, Los Doce, Teatro Estudio, Teatro Extramuros, Cubana de Acero, Teatro Político Bertold Brecht y Teatro Mío. En la televisión ha trabajado en cuentos, teatros, aventuras y desde hace seis años es parte del elenco habitual del conocido espacio infantil La sombrilla amarilla. En el cine ha trabajado en los largometrajes Caravana, La vida es silbar y Entre ciclones. Se ha presentado en España, México, Nicaragua, Bulgaria, Uruguay, Colombia, Venezuela y Perú.
 
  MEDEA LLAMA POR COBRAR
Dramaturgia y dirección: Peky Andino Moscoso
Actriz: María Beatriz Vergara
Música original: Paul Segovia Viteri

Medea llama por cobrar utiliza dos pretextos: el primero, la tragedia escrita por Eurípides en la que la que la hechicera, enamorada del príncipe Jasón, es abandonada por este para casarse con la princesa de Corinto. Medea asesina a sus hijos y a la esposa de Jasón en respuesta a la traición de su príncipe y lo condena, de esta forma a la soledad. El otro pretexto es un hecho ocurrido en los peores años de la emigración ecuatoriana. Una ecuatoriana se suicida en los rieles del tren de New York, junto a sus hijos, en respuesta al abandono y al maltrato de su esposo.
Andino Moscoso, autor y director de la obra, afirma: “Unimos estos dos pretextos en sus partes comunes. El personaje de Eurípides, como nuestra Medea de crónica roja, son mujeres desarraigadas, llevadas por sus hombres a un país extranjero que termina por devorarlas. Las dos utilizan la muerte de sus hijos como una manera de apuñalar los corazones podridos de poder de sus esposos. Y, sobre todo, ambas fueron movidas por la parte más oscura del amor: la venganza. Una vez que fusionamos estas dos Medeas, descubrimos que el personaje no nos bastaba como una vengadora de género; la queríamos para que disparara por nosotros en la impalpable y efímera batalla escénica. Que se enfrentara al poder en nombre de nuestra bendita rabia retenida por siglos de semanas santas.”

Medea llama por cobrar fue estrenada en Quito, Ecuador, el 10 de mayo del 2001. Ha tenido más de trescientas presentaciones en todas las ciudades del Ecuador y en festivales internacionales, y recibido el aplauso y elogio del público y la crítica especializada, por la calidad poética del texto dramático, por la fuerza interpretativa de la actriz y la acertada musicalización.

Zero no Zero nació en 1997 y hasta la fecha ha llevado a escena diez espectáculos. "La fuerte identidad cultural y crítica de Zero no Zero y la rotura de las formas y valores convencionales no le facilitan apoyo institucional, mas la agudeza y el vanguardismo dan sus frutos. El ritmo de creación demostrado en los últimos años les abre perspectivas para adelante. Su vinculación con la música rock permite hacerse la pregunta de si será posible llegar a nuevos públicos. El espacio ganado en el país con su trabajo así como el interés despertado en recientes festivales y giras por Latinoamérica augura un despegue interesante.” (Alfredo Brehil en Latinoamerican Theatre Review, 2000).
 
  MUSAS
Texto: Néstor Caballero
Actrices: Elina Laurinavicius y Glenda Rodríguez
Luces y asistencia de dirección: Ariel Muñoz
Versión y dirección: Opsis Teatro

Musas, del dramaturgo venezolano Néstor Caballero, recrea un encuentro ficticio entre dos mujeres que jamás se conocieron: la pintora mexicana Frida Kahlo y la poetisa estadounidense Sylvia Plath. El autor las vincula a través de la muerte, aunque es quizás más el sentimiento del dolor y la ausencia, el que propicia la unión imposible entre estas mujeres marcadas por la muerte, la autodestrucción y el suicidio. Musas trata sobre el tema de la mujer en el arte.
Con un lenguaje poético, el autor presenta los sueños, angustias, deseos y frustraciones de estas dos grandes mujeres artistas del siglo XX, con sus semejanzas y diferencias.

Según César Brie, Director de Teatro de los Andes, “La obra es un ejemplo de lo que puede hacer una imaginación fértil frente a la escasez de recursos financieros. La pobreza de materiales y recursos funciona como motor a la imaginación que transforma el espacio y los vestidos, una única cosa en este caso, en una mina de alegorías y metáforas visuales.” Por su parte, Luis Fernando Philbert afirma que “Musas revela que de tiempo en tiempo, en algún lugar se descubre que el teatro está vivo.” Este espectáculo se ha presentado en el Festival Internacional de Teatro de Londrina-FILO, en la Muestra Internacional de Teatro en Lengua Española y en los Corredores Culturales del MERCOSUR, todos con sede en Brasil. Además, en el V Festival Internacional de Teatro de Santa Cruz de la Sierra, Bolivia.

Opsis Teatro se fundó en Santa Cruz de la Sierra (Bolivia) en septiembre del 2003. Han montado también La edad de la ciruela y Pluma y la tempestad, de Arístides Vargas, así como Remanente de invierno, de Rafael Spregelburd, con estudiantes del Instituto Normal Superior Católico. Dentro de su trabajo incluyen también la creación y montaje de la obra De qué estamos hechas.
 
  ONETTI EN EL ESPEJO
Texto: María Esther Gilio
Versión teatral: Hiber Conteris
Actores: Paola Venditto, Walter Reyno
Dirección: Patricia Yosi

Onetti, como se sabe, es uno de los más destacados narradores uruguayos a nivel internacional y encuentra en esta versión una rigurosa aproximación a su vida cotidiana, a su obra, y sobre todo a su pensamiento vivo. La dramaturgia del espectáculo está centrada en las entrevistas que le
realizó la periodista uruguaya María Esther Gilio al escritor, a lo largo de 27 años (1965-1993) en Uruguay y España. Los diálogos entre Juan Carlos Onetti y la periodista María Esther Gilio, tienen la virtud de retratar al escritor en un ámbito íntimo, acosándolo en los perfiles más inquietantes de su personalidad y de su mundo literario, mediante un juego de seducción mutua, pleno de revelaciones, humor e inteligencia. La versión teatral ha sido realizada por Hiber Conteris.

Onetti, que tantos han definido como misterioso y seductor, confesará su angustia existencial, sus preocupaciones y avatares, sus gustos, obsesiones y picardías; su excesiva afición al cigarrillo y la bebida, su ironía, su didáctico pesimismo, sus opiniones políticas y religiosas, en definitiva, su manera de sentir y de vivir. Onetti en el espejo ya recorrió Brasil, Italia, España y Francia.

Teatro Circular de Montevideo abrió sus puertas al público por primera vez el 16 de diciembre de 1954, con lo que cabe decir que es actualmente el grupo teatral latinoamericano de mayor vida. El director de teatro Eduardo Malet había concebido la idea de organizar el funcionamiento de un grupo que trabajaría en el subsuelo del Ateneo de Montevideo, inspirado en el sistema de escenario circular. Obtenido el local se constituyó un grupo; con diversos directores, con muchos actores y técnicos complementándose en el correr del tiempo, Teatro Circular fue cimentando su prestigio dentro de una rigurosa línea de teatro independiente. Durante el gobierno de facto (1973-1984) esta Institución se adaptó a la nueva situación y poco a poco fue ganando espacios y logró poner en escena un repertorio bien elegido que lo convirtió en un bastión de la resistencia. Otros teatros siguieron esa línea y fueron creados incluso en esa dirección. Teatro Circular es un referente muy importante de la vida del teatro en Montevideo, por su originalidad, su militancia y su contribución artística.
 
  REGINA EN DIVÁN
Actriz y cantante: Regina Orozco
Pianista acompañante: Baldomero Jiménez

Regina en diván, concierto a la carta, es una experiencia hilarante y esquizofrénica. Es un experimento de improvisación de la artista, en el que el espectáculo lo estructuran los espectadores, eligiendo de entre una lista de varias canciones, con igual número de situaciones emocionales. Polifónica y con una espectacular voz operística, Regina protagoniza una experiencia única. La actriz y cantante comenta:
''Mi espectáculo es al azar, lo decide el público, el estado de ánimo y la necesidad de cada espectador que quiera que yo sea su títere, que tenga la necesidad de escuchar algo y de tener un espejo para satisfacerse, soy como un dildo. El público decide y soy la mujer dispuesta para ellos. Cada espectáculo es diferente, hay veces que me sale y otras que no."

Regina Orozco (México D.F., 1964)
Realizó sus estudios musicales y teatrales en el Conservatorio Nacional de Música, en el Centro Universitario de Teatro y en la Juilliard School, de Nueva York, lo que le ha permitido desarrollar una multifacética y brillante carrera en varios campos de la música y la actuación. Se ha desempeñado, con gran acierto, como escritora, productora, cantante y actriz de espectáculos musicales y teatrales. Desde que debutó con la Ópera de Bellas Artes de México ha intervenido en óperas y operetas y ofrecido múltiples conciertos y recitales con la Orquesta Sinfónica Nacional, la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, la Orquesta de Baja California y la Ópera Metropolitana de Monterrey.

Ha recibido importantes premios y nominaciones en las que se incluyen la de mejor actriz en el Festival Cinematográfico de Venecia por su actuación en Profundo carmesí (1996), filme por el cual obtuvo también el Premio Ariel 1997, como mejor actriz. Su amplia filmografía incluye: Dama de noche (1993), Mujeres insumisas (1994), Perdita Durango (1997), Santitos (1998) y La mano del zurdo, entre otras. Ha actuado, además, en televisión. Desde 1999 es directora y productora de la compañía Regina Orozco y Los Tigres de Sumatra, con la cual se ha presentado en múltiples escenarios.
 
  STOCKMAN, UN ENEMIGO DEL PUEBLO
Texto: Henrik Ibsen
Actores: Alexis Díaz de Villegas, Pancho García, Beatriz Viña, Yailín Coppola, Yazmany Guerrero, José Luis Hidalgo, Fidel Betancourt, Waldo Franco, Danilo Aguilar, Andy Barbosa, Ariel Barreto y Dailenis Fuentes
Escenografía: Alain Ortiz
Luces: Manolo Garriga
Dirección: Carlos Celdrán

Con la puesta en escena de Stockman... Argos Teatro celebra el centenario de la muerte del célebre dramaturgo noruego Henrik Ibsen y el décimo aniversario del grupo. Según explica Carlos Celdrán en las notas al programa de esta obra, trabajaron sobre todo tomando en cuenta la versión que de la misma hiciera Arthur Miller quien “podaba los excesos retóricos de la obra, concentraba las ideas de Stockman, el protagonista de la pieza, para que su discurso tuviera la eficacia que tuvo en el siglo XIX, cuando la obra resultó ser un foro importantísimo de debate público sobre la relación conflictiva entre el individuo y la colectividad...” Lo que verán -nos dice Celdrán- son los restos visibles de una larga jornada de conversaciones con Ibsen-Miller donde por momentos somos nosotros y por momentos son ellos, nuestro homenaje.

Argos Teatro fue fundado, en 1996, por el director Carlos Celdrán, quien ha establecido un laboratorio permanente para actores y estudiantes en la búsqueda de un lenguaje común. El grupo y su director han recibido Premios de la Crítica, Premios Caricato y un Gran Premio de puesta en escena en el Festival Nacional de Teatro de Camagüey, en el 2004. Dentro de su repertorio incluyen obras como Las Moscas, de Jean Paul Sartre; Baal y El Alma Buena de Se-Chuan, ambas de Bertolt Brecht; La vida es sueño, de Calderón de la Barca; La señorita Julia, de August Strindberg, Roberto Zucco, de Bernard-Marie Koltès y Vida y muerte de Pier Paolo Pasolini, de Michel Azama. Argos Teatro ha realizado giras por Cuba, Colombia y Alemania y acaba de llegar del Festival Internacional de Teatro de Caracas, celebrado del 31 de marzo al 16 de abril, donde se presentaron con Vida y muerte de Pier Paolo Pasolini.
 
  VENEZIA
Texto: Jorge Accame / versión de Aníbal Grunn
Actúan: Mayelin Delfín, Lihusmar Ostos, Edilsa Montilla, Julián Ramos, Emiliana Fernández, Mercy Mendoza, William Ocanto.
Producción: Carlos Arroyo
Dirección: Aníbal Grunn

La Clemencia, una fundación al sur del estado de Guarico, cercana al algún río ya seco, fue hace muchos años un centro minero muy importante. Hoy la mina y el río
han desaparecido; con ellos se han ido los extranjeros, el dinero, la alegría y el amor de la Tana, Don Giacomo. El progreso se ha detenido en La Clemencia pero la esperanza, las ilusiones, y los sueños siguen vivos en cada uno de sus habitantes, por eso es necesario montarse otra vez en el avión y echarse a volar rumbo a Venezia, un maravilloso lugar donde la gente habla otro idioma y hasta puede nevar en verano. Lo importante es encontrar esa Venezia que todos llevamos dentro. Venezia ha sido calificado por la crítica como uno de los mejores espectáculos teatrales vistos en Venezuela durante el pasado año.

La Compañía Regional de Teatro de Portuguesa se funda en 1992 para dar continuidad al proyecto nacional de compañías de teatro regionales y crea una estructura profesional conformada por jóvenes de la región que ya venían demostrando sus capacidades artística y organizativa en el quehacer teatral del estado de Portuguesa. Sus montajes han sido recibidos calurosamente por la crítica nacional. Esta agrupación, que radica en la ciudad de Guanare, ha participado en numerosos festivales nacionales e internacionales. Conjuntamente con el Teatro Estable de Portuguesa organiza el Festival de Teatro de Occidente, evento de significativa importancia para la difusión del quehacer escénico nacional e internacional en la región. Acaba de presentar La Sangre, de Sergi Belbel, en el Festival Internacional de Teatro de Caracas, celebrado del 31 de marzo al 16 de abril.

 
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