Carlos Alonso (Mendoza, Argentina, 1929)
Pintor, dibujante, grabador e ilustrador. Ingresó muy joven en la Academia Nacional de Bellas Artes de la ciudad de Mendoza. En 1947 recibe su primer premio en el Salón de Estudiantes, y en 1953 expone en la Galería Viau de Buenos Aires. Un año más tarde viaja a Europa, para exponer en París y Madrid. En 1959, gana el concurso organizado por la editorial Emece para ilustrar la segunda parte del Quijote, cuya primera había estado a cargo de Salvador Dalí. En 1963 se editaron en la Unión Soviética unas tarjetas postales con imágenes de “El Quijote”. Para las ilustraciones eligieron a Gustave Doré, Honoré Daumier, Pablo Picasso y Carlos Alonso. Ha ilustrado, entre otras obras literarias, Romancero criollo, Antología de Juan, la Divina Comedia, El juguete rabioso, Irene, Lección de anatomía y Mano a mano.
Entre los múltiples reconocimientos obtenidos destacan: el Primer Premio del Salón de Pintura de San Rafael, Mendoza, el del Salón del Norte (Santiago del Estero), y el de dibujo en el Salón del Norte (Tucumán), todos en 1951. Obtuvo, asimismo, el Premio Chantal del Salón de Acuarelistas y Grabadores de Buenos Aires (1959). En 1984 fue premiado en la Primera Bienal de La Habana.
Sus obras se han expuesto en numerosas galerías y museos del mundo, entre ellos: la Art Gallery Internacional, Buenos Aires (1967); el Museo Nacional de Bellas Artes, México D.F; la Casa de las Américas y el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana; las galerías italianas Giulia de Roma y Eidos de Milán (1971); así como la Bedford Gallery de Londres, la Galería Palatina, Buenos Aires (1982-1996) y el Museo Nacional de Bellas Artes argentino (1990-1995).
Antonio Berni (Rosario, 1905- Buenos Aires, 1981)
Muy joven inició su carrera artística con sus primeros estudios de dibujo en la Academia de Arte de Centro Catalá.  En 1920, con solo a los 15 años logra realizar una muestra personal en el Salón Mari de su ciudad natal. Cinco años más tarde obtiene una beca Jockey Club de Rosario para estudiar pintura en Europa. Expone, un año más tarde en el Salón de Madrid y entra en contacto con las principales corrientes de vanguardia sintiéndose atraído por el surrealismo y la pintura metafísica.
Desde 1951 su producción se inclinará hacia dos líneas, una de carácter social y testimonial y otra con matices mágicos y metafísicos. Además, Berni impartió conferencias, escribió artículos, viajó por América latina y pintó murales en el Teatro del Pueblo, la Sociedad Hebraica Argentina y la conocida cúpula de las Galerías Pacífico.
Berni realiza numerosas exposiciones en importantes ciudades como París, Bucarest, Varsovia, Praga, Moscú, Buenos Aires y Berlín. Su obra participa en espacios culturales significativos como: Bienal Internacional del Grabado; el Museo de Arte Moderno, París; el Instituto Torcuato Di Tella, Buenos Aires; el Museo de Arte Moderno de la Villa de París, entre otros.
La obra de este creador le ha valido numerosos reconocimientos. Entre ellos puede destacarse: el Gran Premio de Honor en el Salón Nacional de Buenos Aires, 1943; Primer Premio al Dibujo y Grabado de la XXXI Bienal Internacional de Arte de Venecia, 1962; Premio en la Bienal Internacional de Grabado, Cracovia, 1966; Premio Salón de Intergraphics, Berlín, 1967.
Delia del Carril (Saladillo, Argentina, 1885 – Santiago de Chile 1989)
En una larga permanencia en Paris llegó a conocer y cultivar amistad con los más importantes artistas de la década del veinte en Francia. Estudió dibujo y pintura llegando a ser destacada alumna de André Lothe y Fernand Léger. Años después, durante la República Española, viaja a Madrid donde estudió en la Academia de San Fernando.
Pintora y grabadora cuya producción, de una visión muy personal, es deudora del expresionismo y del muralismo mexicano. Entre 1960 y 1989, realizó diversas exposiciones individuales en galerías y museos de Chile, Francia, Colombia y Argentina; destacan entre ellas: Homenaje a Delia del Carril (Instituto Chile-Francés, Santiago, 1975); 51 grabados de Delia del Carril (Centro Colombo–Americano, Bogotá, 1976); u Homenaje a los 100 Años de Delia del Carril (Galería de la Escuela Moderna de Música, Santiago, 1985). En el año 1969 recibió el Premio “Amigos del Museo de Arte Moderno” de Santiago. Residió en Santiago de Chile hasta el final de su vida. En 1996 se realizó una muestra retrospectiva de su obra, Grabados y Dibujos de Delia del Carril, en la Galería Samoiedo de Viña de Mar.
Juan José Cartasso (Argentina, 1924)
Es considerado un innovador en el campo de la gráfica como el creador del Neograbado o “collage en la plancha”. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes licenciándose con el título de Profesor Superior de Grabado en 1953.  Obtuvo diferentes premios entre los que se destacan el Primer Premio Mar del Plata en 1957; Tercer Premio en el Concurso Internacional de Leipzig de 1959 (donde Pablo Picasso alcanzara el primer galardón) y el Gran Premio Mendoza en la XV Bienal de esa ciudad argentina en 1965. Escribió un libro titulado Collage en la plancha, Neograbado donde explica todo lo necesario para iniciarse en esta disciplina del grabado.
Sus creaciones y el aporte a la creación de nuevas técnicas le han valido el reconocimiento en diversos países de América y Europa por lo que fue distinguido especialmente en España, Italia y México.
Ernesto Deira (Buenos Aires, 1928 – Paris, 1986)
Estudió Derecho en la Universidad Nacional de Buenos Aires donde se recibió en 1950. Luego comenzó sus estudios de pintura con Leopoldo Torres Agüero y Leopoldo Presas. En 1958 realiza su primera exposición individual en la Galería Rubbers de Buenos Aires. En 1961 hace una muestra individual en la Galería Van Riel de Buenos Aires, en la cual el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires adquiere una obra. Ese mismo año participa de la muestra colectiva Otra Figuración junto con Jorge de la Vega, Rómulo Macció y Luis Felipe Noé en la Galería Peuser de Buenos Aires.
Obtiene la beca del Fondo Nacional de las Artes y viaja a París. Entre 1962 y 1963 exhibe en diversas muestras en Buenos Aires (Museo Nacional de Bellas Artes), Montevideo y Río de Janeiro.
Continúa exhibiendo con el Grupo “Otra Figuración” y de manera individual en galerías como Jacques Martínez y Ruth Benzacar, así como en espacios  todo el mundo. En 1966 recibe el título de Profesor Invitado en la Universidad de Cornel en Estados Unidos. Obtiene la beca Fulbright y en la III Bienal de Córdoba obtiene el Segundo Premio.
En 1973 formó parte de la muestra Within the Decade con las obras más destacadas adquiridas por el Guggenheim Museum en dicha década. En 1985 participa de la Bienal de São Paulo con sus antiguos compañeros de grupo “Otra Figuración”. El Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires inauguró en 2006 una muestra retrospectiva de su vasta obra, con más de 120 pinturas, dibujos y grabados.
Ana Eckell (Buenos Aires, 1947)
Estudió en las Escuelas Nacionales de Bellas Artes “Manuel Belgrano” y “Prilidiano Pueyrredón”. Ha participado en importantes eventos internacionales como: la XIII Bienal de Paris y la XVIII Bienal de São Paulo, 1985; la Bienal de Cuenca, Ecuador, 1990; la Bienal de Valparaiso, Chile, 1991; la Trienal de Milán, Italia, 1996; la edición XLVII de la Bienal de Venecia, 1997; la II Trienal Internacional de Grabado, Praga, 1998; la Bienal del Mercosur, Porto Alegre, Brasil, 1999; entre otros.
Ha presentado su obra de manera individual en disímiles ocasiones, destacando: Otra letra para mi canción (CCPUC, Lima, Perú, 2000) y La voz del agua (Sala Cronopios, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, 2002). Además de múltiples exposiciones en museos y galerías de países como Estados Unidos, Holanda, Alemania, Uruguay, entre otros.
La obra artística de Ana Eckell ha sido reconocida con varias distinciones: Gran Premio Fundación Arché, dibujo, Museo Nacional de Bellas Artes, 1982; Primer Premio Dibujo, Salón Nacional de Grabado y Dibujo, 1994; Primer Premio Costantini, Museo Nacional de Bellas Artes, 1997. Poseen sus obras diversas instituciones como el Museo Nacional de Bellas Artes y el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires; el Museo de Arte Contemporáneo de Scopje, Yugoslavia; el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro; así como el Bronx Museum of the Arts, EEUU.
Lea Lublin (Polonia, 1929 – Paris, 1999)
La artista, radicada en Argentina siendo muy niña, estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes, y en la Academia Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón de Buenos Aires, entre 1941 y 1949. Tres años después, en 1952, viaja a París y estudia con Gustave Singier en la Academia Ranson. Posteriormente, regresa a Argentina y realiza su primera muestra individual en 1958 en la Galería Van Riel.
Desde 1965, adopta una línea expresionista que comienza en la pintura y se traslada a otros medios. Desde entonces, sus trabajos se expanden a las acciones, las ambientaciones, los videos y las instalaciones. Ha realizado diferentes exposiciones personales y colectivas entre las que sobresalen Incitación a la masacre en la Galerie Lahumière (1964), Pintura rioplatense en Cuba en la Galería Latinoamericana de la Casa de las Américas de Cuba (1965) y Presente suspendido. Marcel Duchamp à Buenos Aires 1919 – 1991. Objets perdus/Objets trouvés, que tuvo lugar en el Centre Régional d'Art Contemporain Hôtel des Arts, Labège-Innopole, Toulouse (1991). En el año 1983 recibió la Beca Guggenheim (Nueva York) de creación.
Rómulo Macció (Buenos Aires, 1931)
Pintor autodidacta. Realizó decoraciones y escenografías teatrales; al mismo tiempo trabajó en publicidad y diseño gráfico desde 1945. Realizó su primera muestra en 1956, con obras de orientación surrealista. Dos años más tarde, en 1958, integró el Grupo Boa, que defendía, en una continuidad de los postulados bretonianos, el "automatismo gestual", por ese camino, se acerca al arte informalista.
A fines de 1961, con Ernesto Deira, Luis Felipe Noé y Jorge de la Vega, inicia el movimiento neofigurativo, fundando el Grupo “Otra Figuración”, que realizará ocho exposiciones entre 1962 y 1965.
Expuso en innumerables ocasiones en su país y realizó muestras en París, México, Nueva York, Milán, Bogotá, Munich, Madrid y Edimburgo, entre otras ciudades del mundo. Ha presentado su obra en prestigiosos eventos e instituciones: Bienal de São Paulo; Instituto Di Tella, Buenos Aires; Bienal de Venecia; Centro de Relaciones Interamericanas, Nueva York; Museo de Arte Moderno, México D.F; Museo de Arte Moderno, París; Castello Sforzesco, Sala Viscontea, Milán.
Macció recibe, entre otros el Premio Internacional Torcuato Di Tella en 1963; el premio Guggenheim en 1967, y el Gran Premio de Honor del LVII Salón Nacional de Artes Plásticas. Sus obras integran colecciones de importantes museos internacionales.
Norberto Onofrio (Argentina, 1927)
Es un artista autodidacta. Comienza en el año 1951, trabajando en grabado (xilografía) y a partir de 1977, se orienta hacia otras disciplinas artísticas. Ha participado en importantes eventos artísticos como la Bienal Iberoamericana de Arte (México) y la Feria de Arte de Buenos Aires. Fue Invitado de Honor de la Trienal de Grabado, Cracovia, Polonia  y es Miembro fundador del Club de la Estampa de Buenos Aires y del primer Museo de Grabado de Argentina, Necochea, Buenos Aires.
Hasta el presente lleva efectuadas casi 100 exposiciones individuales en las más importantes galerías a nivel nacional e internacional, y participa en muestras colectivas de grabado, dibujo y escultura. Algunas de las instituciones que han conservado o presentado su obra son: el Museo del Grabado, Viena, Austria; la Casa de Las Américas, La Habana, Cuba; el Instituto de Arte Moderno México D.F; Galería Elysyum, Nueva York, Estados Unidos, entre otras.
Ha obtenido numerosos reconocimientos por su obra. Entre ellos: Premio Único en Grabado Fació Hebecker, Academia Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina; Premio Mejor Conjunto Xilográfico Guadalupe Posadas, Concurso Latinoamericano de Grabado Exposición de La Habana, 1965; Primer Premio en Dibujo, Salón Chandón de Dibujo y Grabado (Buenos Aires, 1994); Premio De Xilon Argentina y Arte Correo a la trayectoria artística (Gubia de plata), y Premio del Museo Saavedra a la trayectoria artística, ambos en 2004.  Ha dictado clases en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. En la actualidad es socio de Xilon Argentina y Profesor de Dibujo en la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes.
Antonio Seguí (Córdoba, Argentina, 1934)
En su estancia en Europa (1951-1954) estudia la obra de Goya, Daumier, Gras presentes en los grandes museos franceses y españoles. En Madrid acude como alumno libre a la Academia de San Fernando. En 1957, realiza su primera exposición individual en Argentina. Además de sus numerosas pinturas y grabados ha ilustrado más de sesenta libros.
Seguí ha participado en prestigiosos eventos artísticos como la Bienal de Grabado de Cracovia, Polonia; la Bienal de Venecia y la de San Juan del Grabado Latinoamericano y del Caribe, de Puerto Rico. Numerosas han sido sus exposiciones personales y colectivas entre ellas: Retrospectiva Antonio Seguí, 1960-1974 en la Galería de Arte Internacional Victor Najmias de Buenos Aires, 1975. Ha presentado su obra además en importantes instituciones culturales: Centre Georges Pompidou, París, Francia; Galleria San Carlo, Milán, Italia; Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, de La Habana, Cuba; Art Museum of the Americas, Washington D.C., EEUU; entre otros.
Disímiles reconocimientos le han sido otorgados: el Premio Salón Internacional de Frechen, en Alemania, 1976; la Medalla de honor en la VIII Bienal Internacional de Grabado, de Cracovia, Polonia, 1980; la Medalla de Oro en la XI Trienal Gráfica Internacional de Noruega, 1995. Además, en 1983 es nombrado, por el Gobierno de Francia, Caballero de Las Artes y Las Letras y en 1993 es declarado Membre Correspondant de l’Académie Européenne des Sciences, des Arts et des Lettres, de Francia. Sus obras se encuentran en importantes colecciones del mundo: Museo de Arte Moderno, Nueva York; Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires; Museo de Arte Contemporáneo, São Paulo; Museo de Arte Moderno de la Villa de París; Casa de las Américas, La Habana, por solo citar algunas de las más representativas.
João Cámara Filho (João Pessoa, en el Estado de Paraíba, 1944)
Pintor, grabador, dibujante, diseñador gráfico, profesor y crítico. Estudió pintura en el curso libre de la Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Pernambuco entre 1960 y 1963. En ese mismo año es elegido presidente de la Sociedade de Arte Moderna do Recife (SAMR) y cursa xilografía en la Escola de Belas Artes de Salvador. En 1964 fundó, junto con Adão Pinheiro, José Tavares y Guita Charifker, el Ateliê Coletivo da Ribeira y en 1965 el Ateliê + Dez, ambos en Olinda. Entre 1967 y 1970 impartió clases de pintura en la Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Paraíba en su ciudad natal. En 1974 funda un taller de litografía con el nombre de Oficina Guaianases de Gravura que a partir de 1995 se incorpora al Laboratorio de Artes Visuales de la Universidad Federal de Pernambuco.
Ha participado en múltiples exposiciones personales (Galería de Arte Contemporáneo de la Universidade Federal de Paraíba, 1963, o Mostra Joao Cámara, Maison de l´Amerique Latine, Paris, 1993-1994) y colectivas (III Bienal Internacional de Córdoba, Argentina,en la cual recibe Premio Placa de Oro de la Asociación Industrial de esa ciudad, 1966).
Sus obras forman parte de colecciones de galerías y museos brasileños y extranjeros: Museo del Estado de Pernambuco; el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo; la Pinacoteca del Estado de São Paulo; la Galería Metropolitana de Arte de Recife; el Museu de Arte de Brasilia; el Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro; Casa de las Américas, La Habana, Cuba; el Museo de Arte de Toronto, Canadá; entre otros.
Antonio Henrique Abreu Amaral (São Paulo, 1935)
Pintor, grabador y dibujante. Comienza su formación artística en la Escuela del Museo de Arte de São Paulo en 1952. En 1956 estudia grabado con Lívio Abramo en el Museo de Arte Moderno de São Paulo. Dos años después, en 1958, viaja a Argentina y Chile, donde realiza exposiciones y entra en contacto con Pablo Neruda. Viaja a los Estados Unidos en 1959, donde estudia grabado en el Pratt Graphics Center de Nueva York.
Paralelamente a la carrera artística, actúa como redactor publicitario. En el inicio de su carrera realiza dibujos y grabados que se acercan al surrealismo. A partir de la mitad de la década de 1960 su producción pasa a incorporar la temática social, elementos del grabado popular y de la cultura de masas, acercándose también al arte pop.
Su obra ha sido expuesta en numerosas ocasiones en prestigiosos museos y galerías. Entre ellos puede destacarse: el Museo de Arte de São Paulo, Brasil; Nashville Fine Arts Center, Nashville y Forma Gallery, Miami, Estados Unidos; Centro Cultural Mousonturm, Frankfurt, Alemania; National Arts Centre, Ottawa, Canadá. En 1971 recibe el Premio del Salón de Arte Moderno de Río de Janeiro consistente en un viaje a Nueva York. Regresa a Brasil en 1981, donde mantiene su residencia permanente.
Flávio Shiró (Sapporo, Japón, 1928)
Artista de origen japonés que desde el año 1980 pasa a residir en Río de Janeiro. En el año 1950 realiza su primera exposición personal en Río de Janeiro y participa en la primera Bienal de São Paulo. Ha realizado diferentes exposiciones personales en Brasil, Europa, Estados Unidos y Japón; así como ha participado en exposiciones colectivas, entre ellas Brasil 500: Muestra del Redescubrimiento en la Fundación Bienal São Paulo (2001), Daumier – Chagal-Derain-Miró-Flávio-Shiró en la Casa França-Brasil, Río de Janeiro (2008) y en el Museo de Arte Moderno de Paris.
En el año 1993 se le realizó una exposición retrospectiva en el Hara Museum of Contemporary Art Tokio, y en el 2008, en el Instituto Tomie Ohtake de São Paulo. Ha participado en varias ocasiones en la Bienal de São Paulo y ha recibido importantes premios entre los que se destacan; el Premio Eco-Arte, Río de Janeiro (1992) y el Premio Mostra Brasil-Japão (1999).
Su obra se encuentra en importantes colecciones y museos internacionales tales como: Fonds National d’Art Contemporain, Paris, Francia; Hara Museum of Contemporary Art, Tokío, Japón; Museo de Bellas Artes en La Habana, Cuba; y en Museo de Arte Contemporáneo de São Paulo, Brasil, entre otros.
José Balmes (Montesquieu, Barcelona, 1927)
En 1943, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile para seguir estudios de pintura. En el año 1947 obtiene la nacionalidad chilena y comienza a entrar en contacto directo con el acontecer político de este país. En 1959 creó el Grupo Signo junto a los pintores Gracia Barrios, Alberto Pérez y Eduardo Bonatti. Grupo que en el año 1962 logra exponer en la Galería Darro de Madrid y en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona.
Balmes ha ocupado diversos cargos entre los que se destaca su extensa labor docente desarrollada a partir de los años 50. Ha realizado importantes exposiciones en galerías a nivel internacional como: la Galería Ibero Club en Bonn, Alemania (1968); la Galerie de L'Art et La Paix en París, Francia (1976), en la Galerie Pierre Lescot en París (1983) y ha exhibido sus obras en el Palais des Congres en París y en la ciudad de Sofía en Bulgaria. En el año 1977 obtiene el Primer Premio de Grabado en la Exposición Internacional Intergraphic en Berlín, Alemania; y en 1986 recibe el Primer Premio en la Bienal Iberoamericana de Buenos Aires.
Gracia Barrios (Santiago de Chile, 1927)
Ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, donde estudió entre los años 1944 y 1949. Ha compartido su quehacer plástico con la docencia académica, la que inició en dicha universidad en el año 1953. Desde 1994 hasta la actualidad ejerce como profesora de Pintura en la Facultad de Arte de la Universidad Finis Terrae de Santiago.
Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Chile y otros países como España, Francia, Suiza, Estados Unidos, Brasil, Argentina, Alemania, entre otros. Igualmente, ha participado en Bienales de Arte Internacional entre las que se destacan la Bienal del Museo de Arte Moderno de São Paulo (1951), la II Bienal de la Juventud en París (1961) y la Bienal de Córdoba (1962). Ha recibido importantes premios y distinciones entre ellos: el Segundo Premio Salón Esso, Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, 1964; el Primer Premio de Pintura, LXXVI Salón Oficial de Santiago, 1966; y el Segundo Premio Bienal Americana de Quito, Ecuador, 1968. Sus obras se encuentran en diversas colecciones tales como Museo de Arte Contemporáneo de Madrid y el Museo de Bellas Artes, Havre, Francia.
Roser Bru (Barcelona, 1923)
En 1939 viaja a Chile donde establece su residencia. Ingresó como alumna libre a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, en Santiago, donde estudia acuarela, pintura al fresco, dibujo y pintura. En 1957 forma parte de Taller 99 de grabado. Entre 1964 y 1968 fue profesora de dibujo y pintura en la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Santiago.
Roser Bru ha presentado numerosas exposiciones personales y colectivas. Entre ellas: Recovering Histories (exposición itinerante de arte contemporáneo chileno, que comenzó en Estados Unidos viajando por Latinoamérica hasta Chile en 1983); Una Mirada desde Fuera, Palacio de la Virreina, Barcelona, 1986; Presencias - Ausencias, Galería Carmen Waugh, Santiago, 1989.
Entre los premios y distinciones que ha recibido destacan: Primer Premio de Grabado y Dibujo, Salón Oficial de Santiago, 1958; Premio Osvaldo Goeldi, II Bienal Americana de Grabado, Santiago, 1965; Premio Club de Estampa, Buenos Aires, Argentina, 1968; Gran Premio del Primer Salón de Gráfica de la Universidad Católica, Museo de Bellas Artes de Santiago, 1978.
Jaime Cruz (Concepción, Chile, 1934)
Realizó estudios en la Pontificia Universidad Católica de Chile donde se licenció, con mención en grabado, en 1975. Participó del proyecto Taller 99 y del Taller de Grabado del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Brasil. Entre los años 1993 y 1994 realizó una Maestría en Artes Plásticas de la Universidad de París dictada en Santiago de Chile.
Ha realizado diferentes exposiciones personales entre las que sobresalen Mutantes (Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, 1964), Jaime Cruz, Desde las raíces…, exposición de pinturas y grabados (Sala Universitaria de la Pinacoteca Universidad de Concepción, Chile, 2003); y muestras colectivas como Chile, 100 Años de Artes Visuales, Segundo Período (1950 – 1973) en el  Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile (2000) y Opera Recente, Due Incisori Cileni, Jaime Cruz Teresa Razeto a Trento en la Galería Fogolino, Trento, Italia (2008).
Ha recibido premios importantes entre los que se destacan el Primer Premio de Grabado y Dibujo en el LXXV Salón Oficial, Santiago, Chile (1965) y el Primer Premio Primer Salón Nacional Sur, Concepción, Chile (1976). Su obra se encuentra en importantes colecciones y museos entre ellos el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile, en el Museo de Bellas Artes de La Habana y en el Museo de la Ciudad, Brooklyn, Nueva York.
Juan Downey (Santiago de Chile, 1940 - Nueva York, 1993)
Artista visual, grabador y uno de los pioneros del video arte internacional, estudió arquitectura en la Universidad Católica de Chile y grabado en el Atelier 17 de William Hayter en Paris. En 1966 realizó estudios de diseño en los Estados Unidos en el Pratt Institute de Nueva York donde posteriormente se desempeñaría como profesor.
Estuvo vinculado al Grupo Perception y a la revista Radical Software. Obtuvo más de 30 becas, recibiendo entre otras, la otorgada por la OEA (1967), la John S. Guggenheim Foundation (1971), y la Rockefeller Foundation (1981). Exhibió sus obras en Documenta 6 (1977) y en The Jewish Museum de Nueva York. Hasta el día de hoy, sigue siendo el único extranjero que ha realizado dos exposiciones individuales en el Whitney Museum, dedicado al arte contemporáneo norteamericano. Expuso de forma individual en más de 46 exposiciones y participó en más de un centenar de colectivas. En la Galería Latinoamericana de la Casa de las Américas de Cuba expuso junto a Arnold Belkin en la muestra Litografías de Arnold Belkin y Calcografías de Juan Downey (1965). Destacan además, 20 años de dibujos, grabados y videos, Galería Plástica 3, Santiago, Chile (1984) y The thinking Eye. Video Feature. International Center of Photography, Nueva York, Estados Unidos (1987). Diez años después, en 1997, el Instituto Valenciano de Arte Moderno (España), acogió una de las mayores retrospectivas realizadas hasta esa época de su obra. Posteriormente, en 2006, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid presentó la muestra colectiva Primera Generación, el arte de la imagen en movimiento, 1963-1986, la cual incluyó diversos trabajos de Downey.
Entre los diferentes premios que le fueron otorgados destacan el I Premio de Grabado en La Exposición de La Habana (Casa de las Américas, 1964), el Premio del Festival de Video de San Sebastián, (España, 1983) y en la Bienal de Venecia. En Chile, y a modo de homenaje, el Concurso de Creación de Video y Artes Electrónicas de la Bienal de Video y Arte Mediales lleva su nombre por la impronta que significó su obra a nivel internacional y regional.
Ernesto Fontecilla Camps (Santiago de Chile, 1938)
Realizó cursos de Grabado en talleres particulares y estudió Litografía durante un año en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, así como Arquitectura en la Universidad de Chile. Expuso por primera vez en el año 1966 en el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura (Santiago, Chile) y en 1967 viajó becado por la Comisión Fullbright a Nueva York permaneciendo en los Estados Unidos hasta 1971. Desde el año 1973 se radica en Barcelona, España, donde es profesor de la Escuela EINBA de Barcelona y profesor de Pintura de la Escola Massana de la misma ciudad. En 1972 fundó el Taller de Performance de la Escola Massana.
Ha participado en diferentes exposiciones personales y colectivas entre las que  destacan: Diásporas (Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile, 1995) y Almas, monumentos, crónica de ausencias, (Galería Columna, Barcelona, 1997); y las colectivas, Art from the Americas (Los Ángeles, California, 1968), Arte Actual de Iberoamérica (Centro Cultural de la Villa. Madrid, 1972),  Realismo en España (Universidad Complutense. Madrid, 1981), o Pintores Chilenos Contemporáneos de la 2ª. Mitad del Siglo XX (Museo de América, Madrid, 2005).
Ha obtenido numerosos premios importantes entre ellos el Gran Premio de Grabado en el Concurso de Grabado Exposición de La Habana (Casa de las Américas, 1967) y Premio al Mérito en Pratt Graphic Center (Nueva York, 1969-1970). Su obra se encuentra en múltiples coleciones públicas: Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago y el Museo de Bellas Artes Valparaíso ambos en Chile; Museo de Bellas Artes de La Habana, Casa de las Américas de Cuba; The Pratt Graphic Center, el Samuel Goldman Memorial Foundation y el MoMA de Nueva York, el Museum of Modern Art de Filadelfia y  el Museum of Modern Art de Nueva Orleáns, todos en Estados Unidos;  así como la Fundación Juan March de Madrid y el  Museu D’Art de Girona, en España.
Guillermo Núñez (Santiago de Chile, 1930)
Estudió teatro en la Universidad de Chile en 1949 obteniendo su título de Profesor de Teatro en 1952. Igualmente ingresó en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, para luego, en 1953, viajar a Paris y cursar estudios en la Academia Grand Chaumiére y en la Biblioteca del Arsenal y de la Ópera de esa ciudad. En 1959 estudió grabado en la UMPRUM, la Alta Escuela de Artes Aplicadas de Checoslovaquia.
En 1971, fue nombrado Director del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago y creó el Premio Artista del Pueblo. Durante 1975 fue detenido por las fuerzas de seguridad tras la clausura de una exposición suya que resultó altamente polémica. El artista fue expulsado del país y debió partir al exilio, a Francia, país en el cual residió durante 12 años, hasta que en 1987 regresó a Chile. Fue galardonado por el gobierno de Chile con el Premio Nacional de Arte en 2007.
En 1956-57 realiza la primera exposición individual en el Instituto Chileno Británico de Cultura. En 1978 expone por primera vez en Francia en el Centre Culturel de Brétigny y la Galería Forum-Lucernaire. En 1993 realiza su retrospectiva Retrato Hablado en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile que le mereció el Premio Círculo de Críticos de Arte en este mismo año. Su obra formó parte de la exposición Chile Cien Años Artes Visuales: Segundo Período (1950 - 1973) Entre Modernidad y Utopía, (Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile, 2000). Cinco años más tarde, participó en la muestra colectiva Pintores Chilenos Contemporáneos de la 2ª. Mitad del Siglo XX (Museo de América, Madrid, 2005). Diferentes museos y colecciones del mundo atesoran su obra. Entre ellos: Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) y Metropolitan Museum and Art Center de Miami (Estados Unidos); Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago (Chile); Museo de Arte e Historia de Saint Denis (Francia); la Casa de las Américas (Cuba); Museo de Arte Moderno de Bogotá (Colombia); o el Museo de Bellas Artes de Caracas (Venezuela). 
Manuel Fuentes (Chile)
Cursó estudios de Artes Plásticas a finales de los años setenta en la Universidad de Concepción. En octubre de 1979 participó en la I Bienal Universitaria de Grabado y Dibujo en la Sala Matta en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, Chile. En diciembre de este mismo año participó en el Concurso Nacional de Mini grabados en el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura en Santiago.
Entre las exposiciones individuales que realizó sobresalen: Entre el Sueño y la Realidad (Instituto Chileno Francés de Cultura de Concepción, 1984); Reflexiones de Humanos. (Galería Bucci, Santiago, 1985); Jardines Suicidas (Galería Universitaria, Concepción, 1993); o Esculturas en Acero (invitado por la Empresa CAP a exponer en Palacio Hidalgo, Santiago, 1995). En cuanto a su participación en eventos y exposiciones colectivas destacan: Experiencias Gráficas en Concepción (Instituto Goethe, Santiago, 1982); 7° Mini Print Internacional de Cadaqués (Barcelona, 1987); la IX Bienal Internacional de Arte Valparaíso (Sección Pintura, 1989); La Calle Eterna Vitrina del Hombre (Concepción, 1990); la Feria Internacional de Arte en Amsterdam, (Holanda, 1991); o Escultores de Concepción (Galería La Saine Vierge, Concepción, 1995).
Obtuvo el premio en la II Bienal de Escultura Urbana de Concepción con la obra de acero Juguete Urbano. Fue ganador en 2003 y 2007 del premio FONDART con el proyecto Mural de Mosaicos para Escuela  E – 546 y la obra de acero Con el cuerpo en la tierra y el alma en el viento, respectivamente.
Pedro Alcántara Herrán Martínez (Cali, Colombia, 1942)
Destacado pintor, dibujante, artista gráfico, escenógrafo, docente y dirigente cultural. Realizó estudios en la Academia Nacional de Bellas Artes, Roma. En 1977 funda el Taller de la Corporación Prográfica, que luego de diez años de actividades, cierra en 1987. Ha presidido la Cooperativa de Trabajo Asociado de Artistas Integrartes, de la cual fue cofundador en 1997.
Ha representado a Colombia en exposiciones y bienales internacionales en Italia, Polonia, Noruega, Alemania, España, Japón, Brasil, Argentina, Cuba y Venezuela. Algunas de sus exposiciones individuales son: 10 años de Obra Gráfica (Museo de Grabado Latinoamericano, San Juan de Puerto Rico, 1974); y Alcántara 1960 – 1980 (Museo de Arte Moderno de Bogotá; Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, 1980); o la muestra personal que realizó en la Galería Diners (Santafé de Bogotá, 1993). De las muestras colectivas donde fue incluida su obra destacan: XII Bienal de São Paulo, 1973; Salón Nacional de Artistas (Bogotá, 1969, 1990, 1992 y 1994); I Bienal de la Habana, Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, La Habana, 1984; o Con qué objeto (Galería Genni Vila, Cali, 1995).
Entre los premios que ha recibido se encuentran: Premio Gubbio y Medalla de Oro del Consejo de Ministros, Italia, 1962; Salón Nacional de Artistas, Bogotá, 1963; Bienal Panamericana de Artes Gráficas, Cali, 1973; Medalla de Oro, Intergrafik, Berlín, Alemania, 1980; Bienal San Juan del Grabado Latinoamericano, Puerto Rico, 1991, entre otros.
Umberto Giangrandi (Pontedera, Italia, 1943)
Es Maestro en Artes de Instituto D`Augusto Passaglia de Lucca, Italia. Estudió grabado, pintura mural y dibujo, en la Academia de Bellas Artes de San Marcos de Firenze. Desde 1966 reside en Colombia. En 1967 ingresó como profesor a la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia e inauguró el Taller Giangrandi, dedicado a la enseñanza de las técnicas del grabado en metal, fotograbado, serigrafía, xilografía, litografía y gráfica experimental. Entre el 2001 y el 2004 fue director de la Academia Superior de Artes de Bogotá.
En 1972 fue cofundador del Taller 4 Rojo, en compañía de Nirma Zárate, Diego Arango, Carlos Granada y Jorge Mora.
En 2002 participó como Jurado de la Bienal Gráfica de la Universidad de Antioquia y en 2004 del Salón del Fuego, organizado por la Fundación Gilberto Alzate Avendaño. Entre sus numerosas exposiciones individuales sobresalen las realizadas en la Galería Palazzo (Sani, Lucca, Italia, 1963), en El Callejón (Bogotá, 1969), el Museo Rayo (Roldanillo, Colombia, 1992) y en el Museo de Arte de la Universidad de Antioquia (Medellín, 2006). En 1998 el Congreso de Colombia le concedió la condecoración Orden de la Democracia en el Grado Oficial por su trabajo cultural desarrollado en el país.
María de la Paz Jaramillo (Maripaz) (Caldas, Colombia, 1948)
Estudió artes en la Universidad de los Andes entre 1968 y 1973. Recibió lecciones de grabado de Umberto Giangrandi. A partir de 1972 comienza su trabajo como grabadora realizando una abundante producción gráfica. Es integrante del Taller Experimental de Artes Gráficas de Cali en Colombia.
Ha participado en diferentes exposiciones individuales y colectivas entre las que sobresalen Arte Actual de Iberoamérica del Instituto de Cultura Hispánica en Madrid (1977), MariPaz: 1970-1995 organizada por el Museo de Arte Moderno de Bogotá (1995); Arte Colombiano Contemporáneo en Leverkusen, Alemania (1997); Exposición a la India en la Academia Lalit Kala de India (personal, 2001); y más recientemente Ellas en Alonso Garcés Galería (Bogotá, 2012).
Entre los permios que ha recibido destacan: el Primer Premio del XXV Salón Nacional de Artistas en Colombia (1974), por su serie de grabados en metal La Señora Macbed; el primer premio en el concurso Intergrafik 76, organizado en Berlín; el tercer lugar de la Bienal Americana de Grabado de 1977 por la serigrafía La voz dorada y el segundo premio en 1982 en la Bienal de Artes Gráficas de Irlanda.
Augusto Rendón (Medellín, 1933)
Pertenece al Grupo Expresionista Colombiano y constituye  uno de los más prestigiosos artistas contemporáneos colombianos. Trabaja diferentes técnicas y se especializó en pintura mural y grabado en la Academia de Bellas Artes de Florencia, Italia. Fungió como profesor de plástica de la Universidad Nacional de Colombia por tres décadas.
Ha participado en importantes exposiciones entre las que se destacan: la Muestra de Artistas Latinoamericanos en Roma (1958), la Exposición Internacional de Grabado en Frenchen (Alemania, 1972), la Bienal de Tokio (1962), 5 pintores colombianos en la Galería Latinoamericana de la Casa de las Américas de Cuba (1965) y la exposición personal Gráfica de Rendón. Litografía, calcografía (1974), también en dicha institución.
Obtuvo dos veces el Primer Premio de Grabado en el Salón de Artistas Nacionales (Bogotá, 1963 y 1966), y el Premio Internacional de Arte sobre los Derechos Humanos (1968). La Secretaría de Cultura de Colombia le rindió un homenaje a su vida y obra el 15 de septiembre de 2011 en el Claustro de San Agustín, Bogotá
José Ángel Acosta León (La Habana, 1932-1964)
En 1957, se gradúa de la Academia Nacional de Artes Plásticas San Alejandro. En 1959 recibe un importante premio en el Salón Anual con su obra Familia en la ventana. En la década del 60 introduce sus “naves” y sus “estructuras”. Realiza entonces diversas maquinas y objetos como las carretillas, cafeteras, carros, guaraperas. Poco a poco su expresión avanza en profundidad. Más adelante crea sus series de Juguetes y Colombinas. Durante 1963 viaja a Europa: Francia, Italia, Holanda.
Realizó varias exposiciones personales y colectivas en nuestro país y el extranjero. En 1961 tuvo una muestra personal en la Casa de las Américas. Su obra fue presentada en importantes galerías como Charpentier (París), d'Eendt (Ámsterdam), Schiedam (Rotterdam, junto a Roberto Matta, Yves Tanguy y Antes) y Maya (Bruselas).
El premio más importante lo obtuvo en 1959: Premio Adquisición, Salón Anual de Pintura, escultura y grabado del Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana. La obra de Acosta León se encuentra en varias colecciones privadas y en importantes instituciones nacionales como el Museo de Bellas Artes de La Habana y la Casa de las Américas.
Antonia Eiriz (La Habana, 1929 – Miami, Estados Unidos, 1995)
Entre 1951 y 1957, cursa estudios en la Escuela San Alejandro. En 1962, inicia su trabajo como profesora, primero en la Escuela Nacional de Instructores de Arte (ENIA) de La Habana, hasta 1964, para  impartir clases en la Escuela Nacional de Arte (ENA) de La Habana entre 1965 y 1969. 
En 1952 participa en su primera exposición colectiva junto a Manuel Vidal, Fayad Jamís, Guido Llinás y Antonio Vidal en el Salón de Actos de la Central de Trabajadores de Cuba. En 1957 realiza su primera exposición personal en la Iglesia de Paula, La Habana. Dos años más tarde interviene en el importante Salón Anual de 1959 (Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana) donde se reúnen figuras decisivas en el arte de los años 60. En el primer lustro de esa década es invitada a participar en importantes eventos como la Segunda Bienal Interamericana de México, la VI Bienal de São Paulo (1961), en la que su trabajo obtiene mención de honor, entre otras.
Asimismo, le es otorgado el Primer premio en el Segundo Concurso Latinoamericano de Grabado, convocado por la Casa de las Américas en 1963. Recibe la Orden por la Cultura Nacional en 1981 y dos años más tarde, la Medalla Alejo Carpentier. En 1989 se le confiere la Orden Félix Varela, la distinción más alta en el ámbito de la cultura otorgada por el Consejo de Estado de la República de Cuba. Sus obras se encuentran en diversas instituciones culturales, entre ellas la Casa de las Américas,  el Museo Nacional de Bellas Artes de la Habana y la Colección cubana del Museo de Arte de Florida, Estados Unidos.
Raúl Martínez González (Ciego de Ávila, 1927-1995)
Pintor, diseñador y fotógrafo. Estudió en la Academia Nacional de Artes Plásticas San Alejandro en la década del 40. Diseñó revistas y libros de prestigiosas instituciones culturales, así como carteles para obras de teatro y de cine, escenografías de piezas teatrales, etc. Asumió la dirección artística del magazín Lunes de Revolución y fue profesor de diseño en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de La Habana y en la Escuela Nacional de Arte.
En 1947 presentó por primera vez una obra suya, en el XXIV Salón del Círculo de Bellas Artes de Cuba. Luego de esta presentación realizó numerosas exposiciones: La Gran Familia (Galería Habana, 1978); Raúl Martínez. Abstracciones del 57 al 66 ( Galería L, en La Habana, 1980); Nueva muestra de pintura abstracta (Centro Wifredo Lam, 1994); o la exposición antológica que realizara en la Galería Los Lavaderos de Santa Cruz de Tenerife, Islas Canarias, en 1994.
Su trabajo fue premiado en diversas ocasiones entre los que destacan la Mención Honorífica en el Salón del Círculo de Bellas Artes en La Habana, 1949; la Medalla de Plata en la Cuban Painting Exhibition (Universidad de Tampa, Estados Unidos, 1951); la Distinción por la Cultura Nacional, 1981; la Medalla Alejo Carpentier, 1994; Doctor Honoris Causa del Instituto Superior de Arte (1994) y constituyó el Premio Nacional de Artes Plásticas, en su primera edición de 1995.
Umberto Peña (La Habana, 1937)
Pintor, grabador y diseñador gráfico. Se gradúa de la Academia Nacional de Artes Plásticas San Alejandro en 1960. Cursó estudios además en el Instituto Politécnico de Altos Estudios en Ciudad México y en la Escuela de Artes y Oficios en la Ciudadela, Ciudad de México. Trabajó como Diseñador Gráfico en el Consejo Nacional de Cultura en La Habana, como Director artístico y diseñador de la Casa de las Américas y como Profesor de Artes Visuales en México D.F. Es fundador del Comité Prográfica cubana y miembro de International Council of Graphic Design Associations (ICOGRADA).
Ha realizado numerosas exposiciones personales y colectivas en Cuba y varios países como Francia, Estados Unidos, México, Alemania y Japón. Entre ellas: Exhibition of Engravings (Galerie Doctor Glas, Stockholm, Suecia, 1971); Umberto Peña. Pintura / Grabado/ Dibujo/ Textil/ Diseño Gráfico (Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, 1988) y Cuba arte e historia, desde 1868 hasta nuestros días (Montreal Museum of Fine Arts, Canadá, 2008).
Ha obtenido varios reconocimientos: el Premio Nacional de Pintura, escultura y grabado, Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, 1962; el que otorga la Bienal de Grabado de Cracovia en Polonia, 1968; y el de la V Bienal de Paris Francia, 1967. Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas: el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba; la Casa de Las Américas (La Habana, Cuba); la Biblioteca Nacional “Jose Martí” (La Habana, Cuba); Center for Cuban Studies (Nueva York, Estados Unidos); Centre Georges Pompidou (Paris, Francia). Actualmente vive y trabaja en Salamanca, España.
Manuel Alfredo Sosabravo (Sagüa la Grande, 1930)
Estudió entre 1955 y 1957 en la Escuela Elemental de Artes Plásticas Aplicadas Anexa a la Academia de Artes Plásticas San Alejandro, en La Habana, Cuba. Sosabravo ha incursionado en múltiples manifestaciones de las artes visuales, entre ellas la pintura, el grabado, el dibujo y la cerámica.
Su obra ha sido presentada en numerosas ocasiones de manera individual o colectiva. Algunas de estas muestras son: Oleos y Dibujos (Sala Atelier, La Habana,1958); La Naturaleza, el Hombre, la Máquina. Exposición Antológica de Alfredo Sosabravo (Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana,1990); o Sosabravo. El Guardián de lo Pequeño (Galería de Arte, Madrid, 1997). Ha participado en importantes eventos como la Primera Bienal Americana de Grabado (Museo de Arte Contemporáneo, Universidad de Chile, Santiago de Chile); la Biennale international de la Cerámique d'Art 1976  (Vallauris, Francia); la Bienal de Venecia (Italia); la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO '96 (Pabellón de Cristal, Madrid).
Sosabravo ha recibido varias distinciones como la Orden Félix Varela en primer Grado, que otorga el Consejo de Estado de la República de Cuba (1994); el Premio Nacional de Artes Plásticas que entrega el Ministerio de Cultura de Cuba (1997); la medalla de oro en el XXXIV Concurso Internacional de Cerámica del Arte Contemporáneo (Faenza, Italia, 1976). Varias instituciones y colecciones privadas atesoran sus piezas: el Museo Nacional de Bellas Artes y la Casa de Las Américas en La Habana; la Colección Ediciones Pirella (Italia) y el Gabinete de la Estampa de Dresden, Alemania.
Rafael Zarza González (La Habana, 1944)
En 1963 se gradúa de la Academia Nacional de Artes Plásticas San Alejandro, en La Habana. Desarrolla la pintura, el grabado, el diseño gráfico y la ilustración. Desde 1965 hasta 1996 fue miembro del Taller Experimental de Gráfica, Plaza de la Catedral, en La Habana. En 1982 fungió como jurado en el Salón de Artes Plásticas UNEAC '82 (Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, Cuba).
Su obra se ha presentado en diversas exposiciones personales y colectivas. Entre ellas puede mencionarse: Grabados y carteles de Zarza (Centro Cultural Árabe, Damasco, Siria, 1980); Gráfica Contemporánea de Zarza (Galería Rubén Martínez Villena, UNEAC, 1980); Carteles de Zarza (Kladno, Checoslovaquia, 1984). También ha exhibido sus piezas en países como Francia, Alemania, España, Venezuela.
Su obra ha merecido importantes reconocimientos. Entre ellos, el Premio de Honor de Plakat Segundo Concurso Internacional del Cartel Político. El cartel lucha por la paz, la seguridad y la colaboración en Moscú, 1982;  el “Majadahonda 1936”, (Premio que otorga la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC), La Habana, 1990). Numerosas colecciones guardan sus obras: la Casa de las Américas y el Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, Cuba; la Colección de Grabados, Gallery of New Masters, Dresden, Alemania, entre otras.
Josep Guinovart Bertran (Barcelona 19272007)
Artista español cuya prolífica obra abarcó varias manifestaciones: pintura, dibujo, grabado, ilustraciones y decorados escenográficos. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de la Llotja y en Fomento de Artes Decorativas de Barcelona. En 1953 obtuvo una beca otorgada por el Instituto Francés para realizar un viaje de cinco meses a París.
De una primera etapa figurativa, la obra de Guinovart evoluciona con una temática de carácter social y con tendencia al muralismo. Participó en la exposición del Salón de los Once, en la Bienal de São Paulo de 1957 y en la Bienal de Venecia de 1958. En el año 1994 fue inaugurado un Museo en Agramunt (Lleida, Cataluña) dedicado a su obra, población en la que había nacido su madre y a la que el artista siempre había estado vinculado.
Ha sido merecedor de varias distinciones, entre ellas: el Premio Nacional de Artes Plásticas del gobierno de España (1982) y el Premio Nacional de Artes Plásticas del Departamento de Cultura de la Generalitat de Cataluña (1990). Prestigiosas instituciones culturales de numerosos países atesoran sus obras: la Casa de las Américas, La Habana; el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; el Museo de Bellas Artes de Bilbao; el Museo de Arte Moderno, México D.F; el Museo Guggenheim, Nueva York, entre otros.
Manuel Millares Sall (Las Palmas de Gran Canaria, 1926-Madrid, 1972)
De formación autodidacta, este artista formó, en 1950, el Grupo LADAC (Los Arqueros del Arte Contemporáneo), conjuntamente con Plácido Fleitas, Juan Ismael y José Julio. Igualmente, fue cofundador del célebre Grupo El Paso en 1957. En sus inicios pintó paisajes, cuadros de figuras y autorretratos. Desde 1949 se dedica a la pintura abstracta. Sin embargo, entre 1960 y 1972, utiliza la arpillera (yute) como elemento fundamental de la composición. Además, realiza dibujos, escenografías, diseño de alfombras, cerámica, grabados y libros ilustrados.
Realizó múltiples exposiciones personales y colectivas. Su primera exposición se realizó en Las Palmas de Gran Canaria en 1945, y de allí su obra recorrió muchas de las más prestigiosas ciudades del mundo, como Barcelona, Madrid, Estocolmo, Buenos Aires, Roma, París y Nueva York. Por ejemplo, en 1954 expone en la Galería Buchholz de Madrid y, a la par, participa en la II Bienal Hispanoamericana de Arte en La Habana. Su participación en la Bienal de Venecia de 1956 y 1958. Destaca también la muestra celebrada en el Museo de Arte Moderno de Rio de Janeiro en 1965. Durante la década de los sesenta, su obra pudo ser apreciada con asiduidad. En España, las muestras en Madrid (1962, 1963, 1967 y 1970), en Santander (1967), Sevilla (1968), Valencia (1970), dan fe de ello, así como la última exposición que realizara en vida en Paris, en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (1971-1972). Tras su fallecimiento, en 1972, se sucedieron exposiciones individuales de carácter retrospectivo, tanto las celebradas en Madrid (1973 y 1992) y Las Palmas de Gran Canaria (1992), como en Santiago de Compostela (1998). En 2004, la Fundación Azcona, junto con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (España), publican el catálogo razonado de pinturas, que documenta la totalidad de obras realizadas por el artista.
Sus piezas forman parte de las colecciones de diversos museos en todo el mundo como el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), la Tate Gallery de Londres o el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, entre otros.
Antonio Saura (Huesca, España, 1930 - Cuenca, España, 1998)
Comienza a pintar y a escribir en Madrid, en 1947, mientras se recupera de una enfermedad que lo mantiene inmovilizado durante cinco años. A lo largo de su vida realiza pinturas, grabados, dibujos, esculturas, ilustraciones de libros, escenografías para el teatro, el ballet y la ópera. Funda el grupo El Paso en 1957, que dirigirá hasta su disolución. En París participa en las actividades del grupo surrealista.
Expone sus trabajos en países como Francia, España, Estados Unidos y Brasil. En 1958 participa en la Bienal de Venecia y en 1976 forma parte del comité de organización de este evento. En 1966 viaja a Cuba por primera vez para desarrollar una exposición de obras sobre papel en la Casa de las Américas. Importantes instituciones han concebido retrospectivas de su obra, entre ellas:  el museo de Buenos Aires y el de Río de Janeiro; el Stedelijk Museum de Eindhoven, Holanda; el Stedelijk Museum de Amsterdam, la Galería Juana Mordó, Madrid; el Colegio de Arquitectos de Santa Cruz de Tenerife; el Centro M-11 de Sevilla; o la Galería Maeght de Barcelona, por citar algunos ejemplos.
Saura recibió prestigiosos reconocimientos entre los que se cuentan el Premio Guggenheim (Nueva York, 1960) y el Gran Premio de la Bienal de Grabado “Bianco e nero” de Lugano (Suiza, 1966). Además fue nombrado en 1981 Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres (Francia) y al año siguiente recibe del Rey Juan Carlos la Medalla de Oro de Bellas Artes de España. A lo largo de su vida intervino en numerosos seminarios, coloquios y encuentros sobre el arte y la cultura.
Elmar René Rojas (Sacatepéquez, Guatemala, 1937)
Estudió artes en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de Guatemala; en la Escuela Pietro Vanucci (Perugia Italia); en la Escuela de Artes Decorativas de París y en la Universidad Complutense de Madrid. Fue fundador del Grupo Vértebra junto a Marco Augusto Quiroa y Robero Cabrera. Fue el primer ministro del Ministerio de Cultura de Guatemala, del que fue fundador en 1986.
Ha participado en diversas exposiciones y eventos. Entre ellos destacan: Artista y Curador Invitado a la muestra Pintura Centroamericana (Taipei, Taiwán, 1996); la Feria Arte BA (Buenos Aires, Argentina) en diferentes ediciones a partir del año 2000; la exposición personal titulada Arte Córdoba 2003 en Galería Forma Internacional en Argentina ese mismo año.
Ha obtenido diferentes premios importantes entre los que destacan el Gran Premio Iberoamericano “Cristóbal Colón” (Madrid, 1984) y Premio Internacional “Camilo Mori” en IX Bienal de Arte de Valparaíso (Chile, 1989). Desde 1995 ha sido artista invitado en reiteradas ocasiones a la Subasta Sotheby’s en New York. Reside en Guatemala, donde es director y fundador del Centro Cultural “Elmar Rojas”.
Hervé Télémaque (Puerto Príncipe, 1937)
Consagrado pintor y artista grafico haitiano, fue uno de los primeros representantes de la figuración pop en Francia, donde reside desde 1961, ha realizado también obras con integración de objetos, collages y ensamblajes.
Realizó diferentes exposiciones personales y colectivas entre las que sobresalen La Figuration narrative  (Galería  Anne-Marie et Roland Pallade, Lyon, 2008); Combine painting 1965-1969 (Galería Louis Carré & Cie, Paris, 2009). En 2010 fue invitado de honor a la 2da edición de “Art Bemao”, evento de arte moderno y contemporáneo que presenta una visión contemporánea de las artes visuales en Guadalupe. En el 2011 realizó una exposición personal titulada Musée Monde en la Salle de la Chapelle en el Museo del Louvre en París. Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor. Su obra forma parte de importantes colecciones y museos como el Museo George Pompidou y el Museo Nacional de Arte Moderno de Paris; Museo de Arte Contemporáneo, Niza; Museo de Arte Moderno y Contemporáneo, Estrasburgo; todos en Francia.
Rafael Coronel (Zacatecas, 1931)
Tomó clases en la Escuela de Pintura y Escultura la Esmeralda en 1952, y en la Escuela Nacional de Arquitectura, en la Ciudad de México. En mayo de 1956 realizó su primera exposición individual en la Galería de Arte Mexicano.
Desde entonces, ha presentado un gran número de exposiciones individuales en galerías e importantes museos internacionales entre los que se destacan: el Museo Real de Arte de Bruselas, Bélgica; el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA); el Museo de Bellas Artes y el Museo de Arte Moderno de México. Con motivo de sus 80 años en septiembre del 2011 se inauguró en el Museo de Bellas Artes, Retrofutura, una muestra con 109 obras de las que Rafael creó 18 ese mismo año.
Ha recibido importantes premios y condecoraciones por su labor creativa entre ellos el Premio Bienal de Córdoba que se otorgaba al "Mejor Pintor Joven Latinoamericano" en 1965 (VII Bienal de São Paulo); y el Primer Premio en la Bienal Internacional de Pintura Figurativa en Tokio (Japón, 1974). En 1990 se crea el Museo Rafael Coronel que se encuentra en su ciudad natal, la capital de Zacatecas.
Miguel Bresciano (Montevideo, 1937-1979)
Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en el Club de Grabado de Montevideo. Perteneció al Club de Grabado de Montevideo y a la Asociación de Artistas Plásticos Contemporáneos del Uruguay. Realizó diferentes exposiciones personales y colectivas en Uruguay, Brasil, Estados Unidos, Francia Yugoslavia, Chile, Argentina, Inglaterra, Checoslovaquia, Alemania, Unión Soviética, Holanda, Cuba, entre otros.
Obtuvo premios importantes entre los que sobresalen el Primer Premio del Concurso del Club de Grabado de Uruguay; el Premio “La mañana” y “El diario” en el Salón Nacional de Artes Plásticas; el Gran Premio de Grabado y la Medalla de Oro del Salón Nacional de Artes Plásticas de ese país; así como el Premio Posada en la Exposición de La Habana (Casa de las Américas, 1967); o la Medalla de Oro al grabado extranjero en la I Bienal de Grabado de Florencia (Italia, 1969).
Antonio Frasconi (Buenos Aires, 1919)
Grabador y pintor. Desde muy joven se estableció en Uruguay. En 1945 viajó a los Estados Unidos como becario de la Arts Students League of New York, y se radicó en ese país. Estudió grabado con Gross y con el pintor japonés radicado en Estados Unidos Yasu´o Kuniyoshi. Recibió una beca de la New School for Social Research de Nueva York –en la cuál perfeccionó la técnica xilográfica–; de la Guggenheim Memorial Foundation y del National Institute of Arts and Letters y la Interamerican Felowship. Es autor de ilustraciones de múltiples libros, carátulas de revistas, y discos. Publicó colecciones de sus propios grabados. Ilustró una edición limitada de Fábulas de Esopo para el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Ha presentado su obra en importantes eventos internacionales y ha realizado varias exposiciones en prestigiosos centros culturales: el Ateneo de Montevideo, 1939; la Comisión de Bellas Artes de Montevideo, 1957; el Museo de Brooklyn, 1964; el Museo de Arte Moderno de Nueva York, 1983; el Museo Nacional de Artes Visuales, Uruguay 1986; Winterthur, Suiza, 1993; o el Fredikstad, Noruega, 1995. Representó a Uruguay en la Bienal de Arte Moderno de São Paulo, 1957; y participó en la XXXIV Bienal de Venecia (1967) y en la Primera Bienal de la Habana (1984).
Obtuvo, entre otros, el Premio Adquisición IV Salón Municipal, Montevideo, 1943; el Gran Premio Internacional de Venecia, 1959; el Premio Adquisición XXI Salón Nacional, 1967; el Premio Adquisición XXXIII Salón Nacional, 1969. Treinta años después, en 1999, recibió el Premio Figari del Banco Central. Está representado en reconocidas instituciones culturales como el Museo Nacional de Artes Visuales, Uruguay, el Museo Municipal “Juan Manuel Blanes”; Museo de Arte de Filadelfia; Museo de Arte Moderno, Nueva York, entre otros.
Leonilda González (Minuano, Colonia, Uruguay, 1923)
Pintora, grabadora e ilustradora. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes y luego sigue diversos cursos en París, con André Lothe y Fernand Léger. Funda el Club de Grabado de Montevideo en 1953, integrando su dirección y cuerpo docente. En 1976 comienza su exilio político durante 10 años. Recorre varios países latinoamericanos permaneciendo más tiempo en México. Más tarde regresa al país y se instala como artista y docente. Ha estado al frente de talleres de Grabado en Perú, Panamá, Colombia, entre otros. En 1991 funda en su casa el taller de xilografía “José Guadalupe Posada”. Realiza múltiples trabajos de ilustración de textos por los que obtiene también reconocimientos y distinciones.
Ha desarrollado multiples exposiciones en importantes centros culturales como el Museo de Arte Contemporáneo de Montevideo o la Casa de las Américas. Interviene en diversas muestras colectivas con el Club de Grabado de Montevideo y la Unión de Artistas Plásticos Contemporáneos.
Su obra está presente en colecciones privadas de Uruguay y en instituciones como el Museo de Bellas Artes “Juan Manuel Blanes”, el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo. Ha recibido varios reconocimientos como: el Premio “El Mundo” en el Primer Certamen Latinoamericano de Xilografía de la Galería Plástica, Buenos Aires; Premio de Xilografía en la Exposición de La Habana, Casa de las Américas, 1968; Premio Morosoli de Plata en reconocimiento a su trayectoria en Grabado otorgado por la Fundación Lolita Rubial, Uruguay, 1999; Premio Pedro Figari en 2006, entre otros.